Let’s Play Hole The Time !

Une campagne photo entre humour, élégance et passion du golf.

Cette campagne photo  imaginée pour le Royal Golf Club du Hainaut est née d’une question simple : comment montrer que l’on peut jouer au golf toute l’année, même lorsque l’hiver s’installe ?

Réalisée avec l’agence JustLetMinot, cette série visuelle pour le Royal Golf Club du Hainaut mêle humour, élégance et passion du jeu. L’objectif : créer des images fortes, capables d’illustrer un golf vivant, accueillant et praticable en toutes conditions.

Nous avons imaginé des scènes décalées :

Un golfeur qui affronte une tempête imaginaire, un green enneigé en clin d’œil au Père Noël, ou encore un fairway d’automne sculpté par la lumière dorée.

Chaque image raconte que la saison importe peu quand la passion reste intacte.

Grâce à cette campagne photo, le Club du Hainaut bénéficie d’une communication chaleureuse, premium et accessible, fidèle à l’esprit d’un lieu où le golf se joue avec plaisir, constance et un brin de fantaisie, 365 jours par an.

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Découvrez les autres réalisations ici même.

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Dispositifs interactifs et numériques

La FWB nous à contacté pour créer différentes expériences immersives afin de transformer les visites scolaires du Parlement de la Fédération Wallonie-Bruxelles (FWB) en un moment vivant et mémorable.

En collaboration avec Hovertone (entreprise montoise spécialisé dans divers expositions) nous avons conçu et produit ensemble plusieurs dispositifs interactifs et immersifs, mêlant narration, images et technologies numériques.

Depuis plusieurs années, Hovertone développe des installations interactives au service de la médiation culturelle. Pour ce projet, Hovertone a assuré la direction artistique globale ainsi que la conception technique des supports. De mon côté, j’ai pris en charge la production vidéo, les animations et le graphisme, en adaptant chaque contenu à son thème.

Des dispositifs numériques au service de l’apprentissage

Chaque expérience immersive pour la FWB répond à un objectif précis : rendre l’histoire, la culture et la recherche accessibles aux jeunes publics.

Parmi les dispositifs réalisés :

• Un jeu interactif sur le sport, centré sur le cyclisme, déployé sur neuf écrans synchronisés, tout en mettant à l’honneur la Wallonie

• Un hologramme narratif, faisant apparaître un fantôme pour raconter la révolution belge et évoquer Maurice Béjart

• Un mapping vidéo, animant des fresques existantes au rythme du chant de José van Dam

• Un tableau vivant, dédié à François Englert et à la recherche scientifique

Chaque installation possède sa propre identité visuelle et sonore.

Une immersion ludique et contemporaine

Ces dispositifs transforment la visite traditionnelle en expérience immersive, où l’on observe, écoute et interagit.
Une approche sensible et contemporaine, pensée pour éveiller la curiosité, stimuler la mémoire et donner envie d’apprendre autrement.

Crédit photos : Hovertone
Illustrations / Graphisme : Orlando Campione
Comédien (fantôme hologramme) : Daniel Decot

Les images et illustrations ne peuvent être utilisées sans accord préalable de Hovertone Sprl et Orlando Campione. Tous droits réservés.

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Découvrez les thèmes et les expériences du parc scientifique à Frameries.

Plongez dans l’univers du parc scientifique SPARKOH! grâce à sa nouvelle passerelle interactive et immersive, pensée comme une expérience ludique et captivante pour toute la famille. Située à la fin du parcours de visite, cette installation agit comme un clin d’œil final aux différentes zones explorées dans le parc.

Les illustrations, créées autour de thèmes et de scènes variées, résument de manière visuelle et accessible ce que petits et grands ont découvert tout au long de leur visite. Chaque décor interactif évoque un univers scientifique, une ambiance ou une expérience marquante du parc, offrant une lecture simple, joyeuse et compréhensible pour tous les publics.

Réalisées en illustration vectorielle, ces images ont été conçues pour être déclinées sur de grands formats imprimés, mais aussi pour être animées et intégrées à l’application SPARKOH!. En scannant les panneaux avec un smartphone, les visiteurs déclenchent des animations en réalité augmentée qui prolongent l’expérience et donnent vie aux décors.

Chaque panneau stimule la curiosité et transforme la fin de visite en un véritable voyage sensoriel. Un dispositif qui mêle design, thttps://orlandocampione.be/work/echnologie et pédagogie, pour créer des souvenirs mémorables et une conclusion ludique au parcours du parc scientifique.

Découvrez d’autres réalisations ici même.

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Stop-motion pour les 100 ans de la REW

Une narration en papier au service de la transition énergétique

Pour célébrer les 100 ans de la Régie Électrique de Wavre (REW), j’ai participé à la réalisation de deux films en stop-motion et paper design, en collaboration avec l’agence Hugggy et William Mirante. L’objectif était de raconter un siècle d’énergie, tout en mettant en lumière les enjeux d’aujourd’hui et de demain dans deux vidéos originales.

Le film principal, « REW, 100 % connecté sur demain », propose une narration visuelle simple et accessible. À travers des décors en papier, des formes graphiques et une animation image par image, le film évoque l’évolution du réseau électrique, la proximité avec les citoyens et l’engagement de la REW dans la transition énergétique.

Le choix du stop-motion papier permet de donner une dimension humaine et pédagogique au message. Chaque animation devient un symbole : le lien, la continuité, la transformation. Une manière douce et créative de parler d’énergie, de territoire et d’avenir.

Ce projet a été récompensé par un trophée argent dans la catégorie Transition énergétique lors des 12ᵉ Deauville Green Awards, festival international dédié aux films responsables et engagés.

Une reconnaissance qui souligne la pertinence d’un langage visuel sincère, au croisement de la narration, du design et de l’engagement durable.

Client : REW Wavre
Agence : Hugggy
Réalisateur : William Mirante
Animation : William Mirante
Storyboard : Orlando Campione

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Pour le documentaire « Résistantes », consacré au rôle des femmes dans la résistance pendant la Seconde Guerre mondiale, le réalisateur Mehdi Semoulin m’a sollicité pour créer les illustrations des moments clés de l’interview de Léonce Descamps.

Ces illustrations ont ensuite été colorisées, animées et enrichies avec des effets de post-production par le motion designer Ludwig Bisiau, pour renforcer l’impact visuel et narratif. Chaque image permet de plonger le spectateur dans l’histoire, en donnant corps aux souvenirs et aux récits des résistantes. L’ensemble a été intégré au montage final, valorisant les témoignages et rendant hommage au courage de ces femmes.

Cette production est signée Magicowl pour la Ville de Mons et le Mons Memorial Museum, célébrant à la fois l’histoire locale et la mémoire des héroïnes de la Résistance.

Documentaire à découvrir au Mons Memorial Museum : ici

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Étude de clair-obscur et atmosphère cinématographique

Cette illustration film noir est née d’un exercice personnel autour de la lumière et de l’ambiance. Dès les premières esquisses, l’intention était claire : plonger le regard dans un univers sombre, tendu, chargé de silence. Inspiré par une référence photographique de Gavin Hoey, j’ai exploré le clair-obscur pour sculpter un portrait où la lumière raconte autant que le sujet.

La première version, en noir et blanc, s’ancre dans l’esthétique du cinéma des années 50. Les ombres sont profondes. La lumière découpe le visage, les volumes, la posture. Un homme, debout près d’une fenêtre, tient un revolver. Les lamelles entrouvertes laissent passer un rai lumineux qui accroche son regard. À l’extérieur, la nuit et la pluie glissent sur la vitre, renforçant cette impression de scène figée, comme arrachée à un polar classique.

Une seconde version en couleur vient prolonger le récit. Un néon froid éclaire la scène. Les bleus électriques et les reflets urbains apportent une lecture plus contemporaine, presque graphique. Deux interprétations d’un même instant, entre hommage et réinvention.

Ce projet d’illustration film noir est une recherche autour de la tension visuelle. Une étude de lumière, de narration silencieuse, et de ces histoires que l’image suggère sans jamais les dévoiler complètement.

Illustration : Orlando Campione
Référence photographique : Gavin Hoey
Mockup : LuuqasDesign

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Il existe des histoires qui traversent les générations. Celle d’Hélène Colmant en fait partie. Petite-fille du brasseur Colmant, elle a choisi d’assumer fièrement cet héritage en devenant “La Petite Fille Colmant”, une identité qu’elle utilise aujourd’hui comme marque forte pour reconnecter le public à l’âme familiale de la brasserie Colmant

Grâce à cette nouvelle approche, Hélène a redonné vie à une bière emblématique : la Saison Colmant. Un brassin chargé de souvenirs, de savoir-faire et de traditions belges qui renaît avec modernité.

Pour l’accompagner dans cette aventure, j’ai réalisé une série d’illustrations en paper design destinées à ses affiches, campagnes et supports de communication.
Je suis parti de sa charte graphique : logo, couleurs, symboles historiques, pour construire un univers visuel premium, chaleureux et unique. Chaque visuel apporte profondeur, texture et poésie, comme un clin d’œil à la transmission familiale.

Mais Hélène ne s’arrête pas là. Autour de “La Petite Fille Colmant”, elle souhaite faire naître de nouveaux projets :
événements, ateliers de zythologie, dégustations et expériences autour de la marque Colmant.
Une manière d’étendre l’héritage, de le faire vivre et de le partager avec un public curieux, passionné ou simplement gourmand.

Ces illustrations deviennent alors plus qu’une communication :
elles accompagnent la renaissance d’une histoire, d’une bière et d’un nom qui retrouve toute sa place dans le paysage belge.

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crédit : Justina Jaya – @mireia_gallo_fotografia

Identité visuelle pour Justina Jaya

Justine (Justina Jaya) est coach personnel, professeure de yoga, danseuse et praticienne du bien-être, entre Valenciennes, Lille et Barcelone. À travers ses cours, ses ateliers de danse, ses massages et ses formations en ligne, elle accompagne chacun vers plus de sérénité, d’équilibre et de présence à soi. Une énergie solaire et bienveillante qui devait se refléter naturellement dans son identité visuelle.

Justina Jaya m’a confié la création de son logo et d’une première charte graphique, pensées comme une base évolutive pour construire sa marque dans le temps. Le cœur du symbole repose sur la lettre J, conçue pour se décliner au sein d’un cartouche allongé puis dans un cercle, selon les usages et les supports de communication.

L’ensemble du logo est accompagné de formes arrondies et organiques, évoquant le mouvement, la douceur et l’harmonie. Une fleur d’hibiscus ou de tiaré, associée à quelques éléments stellaires, vient renforcer la dimension spirituelle, féminine et lumineuse de son univers.

La palette chromatique, rouge, bleu, doré ou ocre, permet au logo de s’adapter à différentes ambiances, tout en conservant une identité forte, élégante et chaleureuse. Une identité à l’image de Justina Jaya : ancrée, rayonnante et en constante évolution.

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Pour ce projet, dAg-architecte m’a confié la réalisation d’un reportage de photographie architecturale extérieure afin de mettre en valeur l’aboutissement d’une maison unifamiliale à Eghezée.

Mon objectif : capter la signature architecturale du bâtiment extérieur, son implantation dans le paysage et la manière dont la lumière révèle ses lignes contemporaines.

Chaque angle, chaque matière, chaque ombre raconte l’intention du bureau d’architecture : une maison moderne, équilibrée et parfaitement intégrée à son environnement.

Ces images offrent à dAg-architecte un support visuel clair, esthétique et professionnel pour présenter l’évolution et le résultat final du projet.

Une architecture pensée avec précision, révélée par une lumière naturelle qui en souligne le caractère.

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